…ci troviamo di fronte a corpi umani colti nell’istante di un’azione in atto. In Babel corpi rappresentati nello sforzo di raggiungere un obbiettivo impossibile; in NoWar nello spasimo degli ultimi istanti di vita; in Limen corpi colti in un tentativo dalle incerte motivazioni. Un titolo, Limen, che in questo caso fa più che mai parte dell’opera e pone delle domande. Si potrebbe dire che l’installazione rende esperibile l’ambiguità di questa parola: corpi tesi nello sforzo di valicare un muro di cinta, un confine, per attaccare o, al contrario, per sfuggire ad un attacco? La parola latina ‘limen’ (linea di confine), si presta a interpretazioni diverse. Il materiale di quest’opera, come in alre installazioni di Ascari, è il tondino di ferro: l’intreccio degli esili corpi si sviluppa come un disegno nell’aria, un disegno che subisce continue variazioni in relazione al mutare della luce nel corso del giorno e invita lo spettatore ad uno sguardo aperto al mutamento. La collocazione di Limen all’esterno dello spazio espositivo, sul muro di cinta del cortile su cui si affaccia la galleria è, come afferma il critico Giorgio Verzotti, nel suo scritto di presentazione della mostra, una scelta significativa.

 

Giorgio Verzotti

Lo Spazio Trasfigurato: Limen, un’ installazione di Ferruccio Ascari

La scultura è spazio che si versa in uno spazio più grande, diceva Mario Merz a proposito dei suoi igloo. La scultura è anche, o può essere, apertura verso lo spazio che la contiene invece che chiusura in un volume.

Può essere generatrice essa stessa di spazio. Questi pensieri frullano in testa entrando nelle sale della mostra di Ferruccio Ascari; subito infatti già dall’ingesso si ha la visione, improvvisa e inaspettata, di un’apertura.

Letteralmente: dall’atrio di ingresso si vede inquadrata dalla porta della prima sala la finestra di fronte, aperta sul muro che delimita il cortile esistente all’esterno della galleria, in un susseguirsi di spazi che ne ingloba uno aperto. Sul muro del cortile infatti è sospesa una scultura, parte integrante dell’insieme di altre opere che costituiscono la personale dell’artista, esposte nelle due sale della galleria.

Questa scultura esterna sembra un po’ il fulcro della mostra. Applicata più o meno al centro del grande muro, è costituita da una leggera lamiera costellata di fori circolari, piegata su se stessa come se si stesse annodando. Una forma dinamica, visivamente e forse anche materialmente leggera, come tutte le sculture della mostra, esposte su alti treppiedi e protette da teche in vetro.

Formalmente c’è affinità fa le opere all’interno e questa all’esterno, che ha però la facoltà, che le altre non hanno, di imporre una visione frontale e da lontano. Le altre vanno viste da vicino, girando intorno ad esse, come si fa con reperti: artistici o di diversa preziosità che vanno osservate: in tutti i loro particolari.

L’altra, più grande, invece no, va vista tutta insieme e non da vicino, non avremo modo di osservarla nei particolari, cogliendo per esempio il modo in cui tecnicamente si flette, si inserisce nelle sue stesse pieghe. Non ci fa capire bene come è fatta, vuole solo essere presa da uno sguardo che la contenga interamente, come qualcosa che ci è prossima e famigliare, si, sembra fatta dello stesso materiale delle altre sculture, ma che è anche irrimediabilmente lontana. Un po’ come l‘icona sacra, che ci mostra il divino incarnato e quindi rappresentabile, ma lo sospende nello spazio altro della trascendenza, simboleggiato dall’uniforme fondo dorato.

Qui abbiamo uno spazio “versato” in un altro, spazio vero, il cortile, ma anch’esso irraggiungibile, quindi sembra lecito associare la scultura sospesa al pathos dell’icona, almeno nel senso della meraviglia che essa ci infonde nello scoprirla subito, al primo colpo d’occhio, entrando nella galleria. Vicina e lontana.

E nell’interrogarci su di essa. La prima impressione infatti è quella di una strana collocazione, di un inatteso rapporto fa spazi, che però non crea discrepanze, al contrario. Quella lamiera ripiegata su se stessa non sembra essere un corpo estraneo in quell’ambiente, sembra anzi accordarsi con esso, col muro stesso per il suo colore, col verde degli eleganti arbusti dipinti che si trovano al di sotto dell’opera, perfino con il tavolino e le sedie in metallo che l’occhio trova nel cortile, guardando giù dalla finestra aperta.

Se la scultura è spazialità “versata” in una spazialità più grande, se è apertura, qui l’aperto c’è davvero, letteralmente, e la modalità di visione che impone fa pensare all’infinito, all’aperto come trascendenza, comunque come concetto assoluto. Inoltre, quell’opera sembra quasi trasfigurare lo spazio.

L’impressione che si ha, di primo acchito, incontrando con sorpresa quell’opera sospesa è che essa sia sempre stata li, appesa al centro di quel muro, da sempre parte integrante di quel piccolo paesaggio urbano, da sempre in armonia con tutt i suoi elementi.

Martin Heidegger diceva che la scultura, nel suo aprire la propria spazialità all’ambiente in cui è collocata fa di quell’ambiente una dimora, dove l’uomo può liberamente abitare. La scultura, l’opera d’arte, umanizza lo spazio? Ne svela il senso segreto? Comunque sia, sembra proprio che qui Ferruccio Ascari abbia operato in quel modo: indubitabilmente, ha fatto di quegli spaces, di quel rapporto fra spazi, una dimora.